Expositions

Les statues meurent aussi – Stefan Rinck

Le titre de cette exposition est emprunté au documentaire éponyme réalisé par Chris Marker et Alain Resnais et sorti en 1953. Il fut commandité par la revue Présence africaine patronnée par Alioune Diop et animée notamment par des intellectuels comme Aimé Césaire, Price Mars, Léopold Sédar Senghor, Richard Wright ou Jean-Paul Sartre. L’ambition était d’offrir à la palabre africaine un espace de discussion où se rencontrent les figures les plus marquantes du monde africain de l’après-guerre. L’exposition Les statues meurent aussi convoque chacun à regarder le travail de Stefan Rinck comme celui d’un sculpteur, d’un artisan et de prendre conscience du matériau, du geste – celui qui amène à une nouvelle sensibilité, à partager « l’attitude de l’artiste » et le processus de création.
« C’est que le peuple des statues est mortel. Un jour, nos visages de pierre se décomposent à leur tour. Une civilisation laisse derrière elle ses traces mutilées, comme les cailloux du Petit Poucet mais l’histoire a tout mangé. Un objet est mort quand le regard vivant qui s’est posé sur lui a disparu et quand nous aurons disparu, nos objets iront là où nous envoyons ceux des artistes : au musée ».

L’exposition Les statues meurent aussi s’organise sous le signe d’une unité perdue où l’art est le garant d’un accord entre l’homme et le monde. Trois statues monumentales en pierre de Lecce nous accueillent et nous guident. Pour comprendre les enjeux de cette exposition, il faut remonter aux origines de la Maladrerie. Au Moyen Âge, cet ensemble architectural était une léproserie. À cette époque, les lépreux, exclus, isolés du monde, étaient déclarés morts pour la société. Leur seul salut était alors d’être admis dans une maladrerie. Derrière ses hauts murs, c’est l’histoire hospitalière méconnue des XIIe et XIIIe siècles qui se raconte où la lèpre était considérée comme la marque du Mal.

Si le travail de Stefan Rinck résonne aujourd’hui à la Maladrerie dans un geste humble, il concourt également à réveiller l’ensemble d’un monde en sommeil. « Gardiens de tombeaux, sentinelles des morts ; chiens de garde de l’invisible », ces statues d’ancêtres forment-elles un cimetière ? Nous mettons des pierres sur nos morts pour les empêcher de sortir. L’artiste les conserve près de lui pour les honorer et profiter de leur puissance dans un panier rempli de leurs ossements. « C’est des morts que procèdent toute sagesse et toute sécurité ; ils sont les racines du vivant. Et leur visage éternel prend parfois forme de racines ».

À la Maladrerie, ces racines fleurissent. Les sculptures de Stefan Rinck, d’une beauté involontaire,  empruntent au règne animal des attributs formels et nous émeuvent, à condition de bien savoir que ces  images nous ignorent, qu’elles sont d’un autre monde. Nous pourrions y voir de la souffrance, de la sérénité, de l’humour mais nous n’en savons rien.

« Colonisateurs du monde, nous voulons que tout nous parle : les bêtes, les morts, les statues » ; et bien les statues de Stefan Rinck sont muettes. Elles ont des bouches et ne parlent pas ; elles ont des yeux et ne nous voient pas. « Ce ne sont pas des idoles, plutôt des jouets ; des jouets sérieux mais qui ne valent que parce qu’ils représentent. Il y entre moins d’idolâtrie que dans nos éternelles statues de saints. Personne n’adore ces poupées sévères ». Les statues de Stefan Rinck ne sont pas le dieu, elles sont la prière. Prières de l’artiste ouvert au monde, aux corps, aux femmes et à la jouissance, les statues de l’artiste sont brutes et liées à la terre par la forme et par la matière.

Commissaire de l’exposition : Tiphanie Dragaut-Lupescu, responsable du Quadrilatère

Note : les citations en italique sont des extraits du film Les statues meurent aussi, écrit et réalisé par Chris Marker et Alain Resnais, 1953.

Plus d’informations :
De juin à juillet, Stefan Rinck et son équipe de collaborateurs installent leur atelier à ciel ouvert à la Maladrerie et sculptent trois statues de grande taille. À travers une litanie de burineurs, de gestes précis, le processus de création est ouvert et accessible à tous et permet de découvrir et d’accompagner la procession à l’oeuvre. Puis l’exposition continue d’août à septembre en permettant aux œuvres de prendre possession des lieux, de faire corps avec la Maladrerie et d’en devenir des éléments fondateurs.

Stefan Rinck (né en 1973 à Hambourg) est un sculpteur qui travaille la pierre et plus fréquemment le grès. L’artiste devine, dit-il, les formes cachées dans la matière  qu’il découvre sous les coups de ses instruments. Ces formes prennent l’apparence d’un abondant bestiaire composé de petits monstres et autres animaux démoniques. Ces figures animales semblent venir d’un autre univers ou d’une autre époque, peut-être celle où l’on croyait encore fermement à l’enfer. Stefan Rinck élabore un monde fantastique où se mêlent croyance et fantasme et où la pierre se façonne entre le totem et l’idole. L’artiste souhaite délivrer les gargouilles, ces figurines condamnées à recracher l’eau des bâtisses gothiques pour leur donner une autre vie. Lorsqu’elles sont exposées en groupe, les sculptures ressemblent aux pièces d’un échiquier et Rinck s’amuse à les arranger comme il le faisait avec ses figurines d’enfant. Cette troupe de personnages folkloriques est finalement impossible à dater et nous entraîne avec folie dans son imaginaire baroque.
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La saison printemps été est également la période où, chaque année, la Maladrerie Saint-Lazare et la mission arts plastiques de la ville de Beauvais invite un artiste à donner à voir au visiteur ce site patrimonial et paysager à travers son regard.

Ainsi en 2016, c’est Carole Chebron qui investit les jardins et la chapelle de la Maladrerie. A travers la création d’un dispositif d’œuvres contemporaines autour de la mémoire et de l’enfermement, cette artiste céramiste vous propose une lecture nouvelle de ce lieu d’exception. L’installation imaginée par Carole Chebron évoque la communauté des malades qui vivait sur ce site hospitalier au Moyen Âge. Fichées sur des poteaux plantés dans le sol, des crécelles tenues par des mains en cire microcristalline disent les malades ostracisés. À l’emplacement du cimetière, une multitude de moulins à vent réagissent au moindre souffle, douceur des sons éveillés par une simple brise, bruit entêtant suscité par un grand vent. Comme semblant échapper à l’enfermement, une grappe composée de clochettes en biscuit de porcelaine jaillit du mur extérieur du logis… Enfin, pour évoquer à la fois l’enfermement des corps et la liberté de l’esprit, des cages seront maintenues entrouvertes par un doigt de céramique.

Au-delà de la référence historique, Carole Chebron interroge la raison d’être (ou pas) de l’enfermement, de la violence aussi qu’il provoque. Réalisées en biscuit de porcelaine, quelque mille clochettes sont réunies en une grappe jaillissant du mur extérieur de l’ancien logis, bâtiment aujourd’hui en attente de restauration. Livrées aux courants d’air, au vent mais aussi au grand calme, elles tintent ou se taisent comme autant de petites voix en écho à l’enfermement.

Des adventices pour dire le rejet de la société envers les ostracisés. Longtemps dites « mauvaises », ces herbes ont ici la fragilité et la transparence du verre. Réalisées avec des baguettes de verrier, elles sont assemblées, emboîtées les unes dans les autres. Elles disent aussi l’oubli en portant avec elles, le souvenir de la Cristallerie de Clichy, manufacture célèbre pour la beauté de ses presse-papiers qui ferma ses portes en 1885 et dont il ne reste rien aujourd’hui.

La main qui ouvre ou qui ferme, qui décide de l’histoire, qui prévient ou alerte en agitant des clochettes, en faisant tourner des crécelles. Multipliée en autant d’êtres, la main mène le visiteur dans les méandres de l’enfermement arbitraire. Moulée en cire microcristalline, elle devient légèrement translucide selon la lumière. Devant le logis, elle enserre des crécelles fichées sur de hauts piquets de bois qui semblent avancer comme une armée de lépreux ; dans un arbre, elle maintient entrouvertes des cages à oiseaux suspendues.

Du vent, juste du vent… dans l’ancien cimetière où étaient enterrés les reclus, 350 petits moulins à vent plantés dans le sol, selon trois hauteurs différentes. Ici, la mémoire des âmes est activée par l’énergie sonore et visuelle du vent. Douces par une simple brise, ces voix deviennent entêtantes, voire angoissantes, par grand vent.

Dans la chapelle, une centaine de Pommes d’A sont réunies ; cette création s’impose d’elle-même dans de nombreuses installations de Carole Chebron depuis 2002. Elle intègre l’architecture de bois et de tissus réalisée par le Cabanon Vertical lors de son intervention Géométries Variables à Beauvais en 2014. La micro architecture mise en place dans la chapelle évoquait alors la séparation entre reclus et personnes saines qui suivaient le même office sans se voir. Dans cet espace à part, les Pommes d’A renforcent la puissance symbolique du lieu où s’expriment les liens entre sacré et profane, entre recueillement et réclusion.

Installation de Lilian Bourgeat – Métonymie

En partenariat avec la Mission Arts Plastiques de la Ville de Beauvais

L’œuvre de Lilian Bourgeat cultive un hyperréalisme surdimensionné : au départ, des objets banals, usuels comme des bottes, des caddies ou tables de pique-nique que l’artiste fait basculer dans un monde à l’échelle de Gulliver.

Dans leur démesure, les objets banals de l’artiste posent la question de l’usage alors qu’elle ne se formule plus dans la vie courante. Au-delà des objets, les lieux mêmes peuvent changer d’usage selon leur histoire. La Maladrerie Saint-Lazare en est un exemple, passant d’un hospice accueillant dès le Moyen-Âge les malades à une exploitation agricole sous la Révolution, pour être aujourd’hui reconvertie en lieu dédié à la culture et à l’art.

A travers les objets si souvent utilisés à la maladrerie, tels que les brouettes, les caddies ou les bottes, l’artiste met l’accent sur  la reconversion des bâtiments patrimoniaux, à travers leurs utilisations successives, leurs restaurations, leurs aménagements et leurs nouvelles fonctions et offre à travers chaque mise en scène de nouveaux points de vue et de nouvelles perspectives du site.

Exposition réalisée avec le soutien de la Ville de Boulogne-sur-mer

Installation du Cabanon vertical – Géométries variables

En partenariat avec la Mission Arts Plastiques de la Ville de Beauvais – installation du cabanon vertical

Le Cabanon  Vertical, collectif pluridisciplinaire, conjugue les arts appliqués et les arts visuels. A travers leur construction à Géométries Variables, c’est l’usage du patrimoine, de l’architecture et du paysage urbain qui est questionné dans une œuvre triptyque visuelle et sensitive.

À la Maladrerie, le Cabanon Vertical a choisi d’investir l’ancienne chapelle, unique édifice qui faisait le lien entre la cour des malades et celle des gens sains. Au sein de ce monument emblématique, l’installation artistique crée un dialogue avec l’histoire du lieu, espace charnière entre la communauté religieuse et les lépreux et révèle sa lumière et sa spiritualité. Plus qu’une simple découverte d’une architecture, cette création monumentale et originale surprend le visiteur, lui permettant de ressentir les divisions, les circulations et l’importance de cet édifice.

Ce volume créé est décliné en sculpture sur le Parvis de la cathédrale et en mobilier urbain au sein du quartier Saint Jean.

La structure est ré-ouverte en 2016 à l’occasion de l’installation de Carole Chebron.

Installation de Victoria Klotz , les Hôtes du Logis

En partenariat avec la Mission Arts Plastiques de la Ville de Beauvais

Au cœur de deux sites historiques et emblématiques de la ville, la Maladrerie Saint-Lazare et la place des maréchaux, Victoria Klotz a mis en scène sur des tables et des chaises, 12 animaux sauvages réalisés en mousse polyéthylène dont un renard, une cigogne, un sanglier, un phoque moine et un ours polaire.

L’introduction en milieu urbain de ces espèces animales, plus vraies que nature, évoque la place de l’animal dans la cité et plus particulièrement le thème de la commensalité et du partage de l’espace public. À la fois proches et insaisissables, ces surprenants hôtes viennent en effet chercher auprès des hommes le gîte et le couvert et nous rappeler que de tout temps l’homme et l’animal ont cohabité.

Née en 1969, Victoria Klotz entretient un dialogue permanent avec la nature. Prenant la forme d’installations, de parcours d’observation ou de dispositifs d’écoute, ses œuvres composent des environnements dans lesquels sont explorées notre part d’animalité et la relation conflictuelle que nous entretenons avec le monde naturel : l’homme sacralise la nature mais il la violente en tentant de la maîtriser et de la rationaliser. Jouant sur la diversité des techniques artistiques, les effets d’illusion et de trouble, l’artiste convoque la part affective qui lie les hommes aux animaux afin de renouer le fragile équilibre entre nature et culture.

Installation du Studio Cao|Perrot White Dome |Red Bowl

En partenariat avec la Mission Arts Plastiques de la Ville de Beauvais

Le projet de création du Studio CAO/PERROT interroge l’histoire et la valeur symbolique de deux bâtiments classés Monuments historiques : le chœur de l’ancienne collégiale Saint-Barthélémy et la Maladrerie Saint-Lazare. Situé au cœur de la cité épiscopale, le premier bâtiment géré par la communauté des chanoines était ainsi dévolu à l’enseignement religieux et au service de la foi, il fait écho à la Maladrerie, administrée par une communauté religieuse qui répondait à des problématiques sanitaires par la prise en charge des lépreux à la périphérie de la ville.

Le Studio CAO/PERROT a réalisé un projet artistique autour de la notion de purification qui fut un thème essentiel et populaire dès l’époque médiévale.  Au sein de la collégiale Saint-Barthélémy, une grande coupole, formée de milliers de cristaux transparents suspendus , a offert l’expérience d’un bain de lumière, symbole de la purification de l’âme par l’accession et l’élévation au divin.  Au centre de la cour de la ferme de la Maladrerie Saint-Lazare, le visiteur était invité à marcher sur l’actuelle mare afin de traverser un hémisphère composé de 5000 cristaux rouges, fixés au sommet de hautes tiges métalliques. S’inspirant du thème biblique de l’onction des lépreux guéris, l’installation renvoyait à la dimension charnelle et mortelle de l’homme, à la croyance de purification du corps et de la maladie par le bain de sang.

S’imbriquer autour de la brique

En partenariat avec l’Ecole d’Art du Beauvaisis – exposition regroupant 20 artistes travaillant la terre autour du thème « s’imbriquer-autour de la brique»

En écho au remarquable patrimoine « terre » de la  région du Beauvaisis, l’exposition, réalisée en partenariat avec l’École d’Art du Beauvaisis, souhaitait mettre en avant la pratique croissante de la sculpture contemporaine en terre à travers l’usage de la brique

Articulée physiquement autour des espaces distincts qui composent la Maladrerie : la mare, la grange, le jardin d’inspiration médiévale, la prairie, la maison de l’administrateur, la chapelle et les murs d’enceinte de la Maladrerie, l’exposition S’IMBRIQUER a réuni 20 artistes, certains de renommée internationale, d’autres plus jeunes : Marc Alberghina, Anne Barrès, Andrew Burton, Coralie Courbet, Marc Fontenelle, Etienne Fleury, Philippe Godderidge, Jeffrey Haines, Jacques Kaufmann, Agathe Larpent, Anne Mercedes, Bernard Pagès, Daniel Pontoreau, Matthew Raw, Wade Saunders, Takeuchi Kozo, Lise Terdjman, Rudy Toulotte et Véronique Delplace, Anne Verdier.

Des pièces déjà existantes et 14 créations spécialement produites dont 9 directement in situ ont pris possession du site à travers l’élément brique.

Installation Here Now de l’artiste néerlandais Krijn de Koning

en partenariat avec la Mission Arts Plastiques de la Ville de Beauvais

Premier projet de création in situ à la Maladrerie, la proposition artistique de Krijn de Koning a permis d’établir une passerelle, un dialogue entre le patrimoine et la création actuelle et de participer de manière collective et ouverte à la réappropriation de la Maladrerie dans sa globalité. D’ailleurs, le titre de l’exposition HERE NOW renvoyait à cette double notion de lieu et de temps : le site tel qu’il se présentait en 2010, physiquement et mentalement et son évolution dans le futur.  D’origine néerlandaise, Krijn de Koning , est un artiste de renommée internationale. Ses nombreuses interventions en France ou à l’étranger se caractérisent par leur dimension artistique et leur originalité ainsi que leur parfaite adaptation aux contraintes et impératifs des différents sites investis (monuments classés, paysages, zones en rénovation urbaine, centre d’art, etc.).

Portant sur la zone de bâtiments en attente de restauration et interdits à la déambulation (la chapelle, le logis, et la maison de l’administrateur), l’installation circulatoire de l’artiste offrait au public un accès inédit et exclusif au site , modifiant  la lecture et l’appréciation de la Maladrerie. A la croisée de la sculpture et de l’architecture, son travail s’ancre dans l’histoire de l’art et permet à chacun, de manière ludique, de construire son propre parcours qu’il soit sensoriel, symbolique ou spirituel.